Западноевропейское искусство XIX века

Мане и Дега, при всем различии их индивидуальностей, являются представителями нового этапа реализма, который, как мы говорили, несет новые завоевания, но в то же время в нем появляется и определенная ограниченность.

Ряд живых сцен из современной жизни дал Огюст Ренуар (1841 - 1919). Уже для ранней работы Ренуара "Харчевня тетушки Антони" (1865 - 1866), выдержанной еще в темной гамме красок, характерна передача непосредственного жизненного ощущения; эта картина уже овеяна той интимной теплотой, которая будет всегда характерна для произведений Ренуара. Ренуар был одним из художников, которые вошли в историю искусства под названием "импрессионистов".

В 1874 году в Париже Ренуар вместе с Моне, Писсарро, Сислеем устроили самостоятельную выставку. Среди выставленных картин была работа Клода Моне, называющаяся "Впечатление (Impression). Восходящее солнце". Критика подхватила это название и стала именовать этих художников "импрессионистами". Импрессионисты, так же, как Э. Мане и Дега (последний тоже принял участие на этой выставке), ратовали за изображение современной жизни, но многие из них акцент ставили на передаче ее живописной стороны, и задача плейера становилась для них решающей.

При переходе к работе на открытом воздухе палитра их светлеет, они увлекаются игрой солнечных пятен, но в ранних произведениях это не идет в ущерб созданию жизненного образа.

В картине "Бал в Мулен де ла Галетт" Ренуара (илл. 20), написанной в 1876 году, игра световых пятен, несомненно, увлекает художника, но вместе с тем она помогает ему воспроизвести жизнерадостность и веселье танцующих пар в саду, создать поэтический образ девушек из народа, обитательниц Монмартра. Стараясь передать окружающее так, как его улавливает беглый взгляд, художник дает более выписанно и пластично те группы, которые глаз фиксирует, а остальные дает как бы не в фокусе. Этот прием, характерный для импрессионизма, мешает изобразить жизнь во всей ее многоплановости.

Ренуар создает еще немало реалистических произведений: "Завтрак лодочников", "Конец завтрака" и другие. Но уже в середине 80-х годов мы видим у Ренуара отход от реалистического изображения действительности.

20. Огюст Ренуар. Бал в Мулен де ла Галетт. 1876

Кл. Моне (1840 - 1926), К. Писсарро (1830 - 1903), А. Сислей (1839 - 1899) пишут пейзажи своей страны, тем самым продолжая путь барбизонцев. Отказавшись от условных темных тонов, они переходят к светлой гамме, часто передавая в своих полотнах рассеянный свет. Несмотря на стремление этих художников фиксировать виденное, мы всегда чувствуем личность художника в их произведениях: поэтичность Ренуара, лиричность Сислея, интимность Писсарро и смелые живописные поиски Моне.

Импрессионисты решили проблему плейера. Но увлечение передачей освещения в дальнейшем привело их к потере чувства материальности действительного мира. Это видно, например, в серии картин К. Моне с изображением Руанского собора, стогов сена, где все сведено к вибрации цветовых пятен.

Последователи импрессионистов, назвавшие себя "неоимпрессионистами" (Синьяк, Сера), доведя до крайности положения импрессионистов, провозгласили "научный" дивизионизм. Эти художники писали "точками", разделенными мазками чистых цветов, не смешивая их на палитре * (* По-французски - точки "points", отсюда этих художников называли пуантелистами.). Их картины походили на мозаики, производили чисто декоративное впечатление. Одно время к этому направлению примыкал Писсарро, но скоро разочаровался, убедившись, что оно лишено всякой эмоциональности. "Оно слишком холодно", - писал Писсарро своему сыну.

К преодолению импрессионизма стремился в своем творчестве П. Сезанн (1839 - 1906). Он любил говорить: "Надо вернуться к классицизму через природу". Он хотел, не теряя цветового богатства импрессионистов, вновь воспроизвести на своих картинах видимый мир во всей его предметности и материальности. Однако это ему не удалось. Многие его пейзажи, а особенно фигуры схематичны и нежизненны. Сам Сезанн не был удовлетворен своими работами, он бросал их обычно не оконченными (впоследствии на этих полотнах спекулировали маршаны - торговцы картинами). Не поняли исканий Сезанна и его последователи; игнорируя стремление Сезанна как можно полнее передать природу и выразить свое отношение к миру, они либо чисто внешне подражали его приемам, либо, ограниченно трактуя некоторые стороны его метода, становились на путь чисто формалистического искусства.

Противоречивые тенденции искусства последней четверти века очень ясно сказались у величайшего скульптора Западной Европы Родена (1840 - 1917). Центральным произведением творчества Родена являются "Врата ада", над которыми он работал всю жизнь начиная с 1880 года, но так и не окончил. Работа, навеянная "Божественной комедией" Данте, поражает трагизмом созданных скульптором образов. Роден стремится передать мир эмоций человека, с его пороками, страстями, создать образы, полные безнадежности, отчаяния (Три тени, Уголино). Сама тема заставила Родена уйти в мир фантазии, в мир символики. Для достижения большой выразительности Роден порой прибегает к повышенной экспрессивности, разбивает пластичность формы, пользуется "живописными" приемами, "импрессионистической" манерой изображения. В этом случае Роден уходит от реалистического метода воплощения образов своих героев. Однако в этом же цикле мы видим и реалистические произведения. Примером может служить "Мыслитель" (1880), в котором с убедительной силой передана мощь, напряженность этого сосредоточенного на определенной мысли человека. Реалистические тенденции особенно явно ощутимы в портретах Родена (Пювп де Шаванна, Рошфора, Далу, Виктора Гюго и многих других). Он передает характерные черты портретируемого во всей их жизненной полноте, поэтому так выразительны и правдивы его портреты.

Наиболее выдающимся произведением Родена является памятник "Граждане Кале" (1886), посвященный героическим людям, пожертвовавшим собой для спасения своего родного города (илл. 21). Родед изображает, как шестеро наиболее знатных граждан вышли по требованию осадившего город английского короля в простых одеждах, с непокрытой головой и веревкой вокруг шеи. Каждой фигуре скульптор придал свое особое выражение. Роден, как и Гойя в "Расстреле повстанцев", раскрывает целую гамму человеческих чувств людей, идущих на смерть. Один из них держит в руке ключ от крепости* (* Слепок с этой фигуры находится в Государственном музее изобразительных искусств им. Пушкина в Москве.). Вся фигура его выражает непоколебимость, решительность. Он стоит, широко расставив ноги, крепко сжав руки. Никто его не может сломить; волевое напряжение можно прочесть и на выразительном, но сдержанно-спокойном лице. Рядом с ним согбенный старик, но и он не сломлен, скульптор представил его в движения, показал решительность, с которой он идет на смерть. В других фигурах Роден не побоялся показать отчаяние, колебания - не все могут найти в себе смелость, чтобы спокойно идти на смерть; преодолеть страх им помогают другие, которые в эту последнюю минуту могут убеждать, доказывать.

21. Огюст Роден. Граждане Кале. 1886. Бронза

Памятник гражданам города Кале является выдающимся произведением монументальной скульптуры последней четверти XIX века. Его достоинства определяются не только талантом замечательного скульптора, но и теми достижениями, которые явились результатом длительной борьбы в XIX веке за реалистическое искусство. Только в упорной борьбе с эпигонами классицизма могла быть создана такая свободная композиция, лишенная какой-либо академической условности. Роден ставит группу на совсем низкий пьедестал, чтобы создать впечатление, что эти люди находятся очень близко от зрителя. Скульптор разбивает даже традиционную монолитность группы, фигуры связаны друг с другом в одно целое глубокой психологической связью, определенным ритмом движений. Группа рассчитана на то, что она должна восприниматься при обходе, то есть во времени, подобно рассказу. Обратим внимание еще на одну характерную черту: изображенный здесь исторический сюжет Роден трактует так правдиво, что легко увидеть в этих людях современников.

Роден создал громадное количество произведений, в том числе много памятников. Не все в его творчестве убеждает; Роден, несомненно, отдал дань господствующему в это время символизму, но в то же время в большинстве своих произведений он выступает как борец за большое реалистическое искусство. Он постоянно призывает учиться у природы и смотреть на мир собственными глазами. "Остерегайтесь, - говорит Роден, - подражать старшим. Уважая традицию, умейте различать то, что она заключает вечно плодотворного: любовь к природе и искренность. Это две сильные страсти гениальных мастеров. Все они обожали природу и не знали никогда лжи". Много замыслов, проектов Родена остались неосуществленными, в том числе памятник Труду. Он мыслил, что это будет грандиозная башня, украшенная рельефами с изображением труда, которые можно рассматривать, подымаясь по винтовой открытой лестнице. Наверху башни должны стоять два гения, благословляющие труд.

Париж в это время был центром художественной жизни, сюда приезжают учиться художники из других стран Западной Европы. Здесь свой творческий путь начал Джемс Уистлер (1834 - 1903), американец по происхождению, чье искусство прочно вошло в историю английского искусства. Еще в 1858 году Уистлер делает серию офортов, посвященных Парижу. Он изображает модисток, танцовщиц, торговок, дешевые ресторанчики. Несколькими штрихами он дает представление о самом характерном. В дальнейшем он живет и работает в Лондоне, но свои картины посылает на выставки в Париж. Так, в 1859 году во французский Салон он посылает картину "За роялем". Однако жюри ее отвергло, и она была выставлена в мастерской французского художника Бонвена, где ее видел и высоко оценил Курбе.

Самое ценное, что создал Уистлер, - это его портреты. Наиболее замечательные из них портрет матери и портрет Карлейля (илл. 22). Сначала оба эти портрета поражают своей необычной композицией: фигуры даны в профиль и занимают все пространство холста. Необычно и цветовое решение темных силуэтов на светлом фоне с различными нюансами серого и черного; недаром Уистлер называл их симфониями "серого и черного". Но композиция и цвет отнюдь не воспринимаются как самодовлеющие искания художника, он создает глубокие психологические образы, а цвет и композиция лишь помогают нам воспринимать мысль художника.

22. Джемс Мак-Нейл Уистлер. Портрет Томаса Карлейля. 1872

Наряду с портретами Уистлер пишет пейзажи, но и здесь его интересуют не только внешние эффекты ночного освещения, света зажженных фонарей, блеск снега, но и определенное психологическое настроение.

К изображению современной жизни несколько иным путем пришел немецкий художник А. Менцель (1815 - 1905). Сначала он писал картины и делал иллюстрации на темы из "Истории Фридриха Великого". Но в исторических темах он выбирает жанровые мотивы - "Обед Фридриха Великого в Сан-Су си" и другие. Историческую сцену художник стремится передать так, чтобы создалось впечатление написанной с натуры; но эти сцены не имеют глубокого социального смысла, это только рассказ о каком-то отдельном незначительном событии. Однако Менцеля интересует не только прошлое, но и современная жизнь. Крут тем, трактованных Менцелем, необычайно обширен, может быть, более обширен, чем у кого бы то ни было из европейских художников этого времени. Художник показывает нам придворные и великосветские балы, рауты и одновременно ведет нас в цех прокатного завода, в деревенскую кузницу, в зоологический сад, на бульвары Парижа, на стройку, в вагон железной дороги, в театр. Картины Менцеля и его многочисленные рисунки говорят о нем как об остром наблюдателе, который стремится уловить и передать характерный жест, живую позу. Но Мендель в своих работах всегда выступает как пассивный наблюдатель, даже в таком замечательном произведении, как "Прокатный цех" (илл. 23), хотя он убедительно передал раскаленную атмосферу, темп работы, характерные типы рабочих.

Сам факт создания картины на такой сюжет имел, конечно, громадное значение; еще немного было в то время художников, которые создали образы современных им заводских рабочих. Пусть эта картина сделана по заказу, была своего рода рекламой, но то, что художник создал на основе этих образов художественное произведение, имело громадный социальный смысл.

23. Адольф Менцель. Прокатный цех. 1875

Крестьянской жизни посвящает свои картины другой немецкий художник Вильгельм Лейбль (1844 - 1900). Он создает яркие типы крестьян в картинах, написанных в 70-х и начале 80-х годов: "Деревенские политики", "Три женщины в церкви", "Жительницы Дахау" (илл. 24) и другие. Жизненные, непосредственно наблюденные сцены из деревенской жизни также дает немецкий художник Макс Либерман.

24. Вильгельм Лейбль. Жительницы Дахау. 1874

Однако оба художника подходят различно к этой теме. Лейбль стремится передать психологию крестьян. Его произведения - по существу групповые портреты (напомним, что Лейбль является и замечательным портретистом). Выразительности художник достигает не только тем, что детально передает характерные черты лица, но всей позой и, особенно, изображением рук (многочисленные этюды рук он делает прежде, чем написать картину).

Другие тенденции мы видим у Либермана, он дает или жанровые сцены, как, например, в картине "Женщины, ощипывающие гусей", или вписывает фигуры в пейзаж ("Пастушка, пасущая корову"), Либерман лиричней Лейбля, он во многом повторял Милле, но, увлекшись проблемами передачи света, утратил тот глубокий гуманизм, который был характерен для Милле.

Важно отметить, что изображение крестьянства позволяло в какой-то мере выразить специфические черты национального быта. Крестьян в национальных костюмах во время веселого праздника изображает шведский художник Цорн. Тяжелую жизнь рыбаков передает в своих картинах норвежский художник К. Крог. Образам рабочих и крестьян посвящает свое творчество бельгийский скульптор К. Менье (1831 - 1905), правда, его мечта о памятнике Труду осталась не выполненной при жизни, тем не менее он создал целый ряд статуй рабочих и крестьян: молотобойца, пудлинговщика, грузчика, стеклодува, сеятеля, косаря и других.